Podcasts

En varias entradas de la sección Moblog he tratado sobre los plugins que permiten navegar por una bitácora a través de dispositivos portátiles, como una PDA o un iPhone/iPod Touch. Después de probar el WordPress PDA & iPhone, del que traté en La Bitácora del Tigre para PDA e iPod, he descubierto otra extensión muy interesante, denominada WPtouch iPhone Theme.

Se trata de un plugin que modifica el aspecto de la plantilla de un blog para adecuarlo a dispositivos como el Apple iPhone o su primo hermano, el Apple iPod Touch. Para quien no disponga de uno de estos chismes o no los haya visto nunca (son francamente adictivos), he aquí unas cuantas capturas de pantalla:

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Sí, es cierto que la actualización del blog a la versión 2.5.1. de WordPress me ha dado bastantes dolores de cabeza, pero una vez superados los problemas iniciales, comienzo a disfrutar de las ventajas de la serie 2.5. La que más valoro por el momento es la actualización automática de plugins, que va como la seda con todas aquellas extensiones diseñadas para aprovechar esta nueva funcionalidad. Véase, por ejemplo, el caso del plugin Flickr-SlideShow-Wrapper: desde la fecha en que yo lo instalé para acomodar en el blog una presentación paisajística, se han publicado un par de actualizaciones, cuya instalación apenas ha tardado diez segundos.

No todas las extensiones se instalan con tanta facilidad, claro. Por ejemplo, el autor del plugin Lightbox 2 publicó hace poco una nueva versión, de instalación perfectamente automatizada. Sin embargo, el plugin está en inglés, y yo había traducido algunas cadenas de texto al castellano. Cuando lo actualicé, desapareció la traducción, que incluía texto y e imágenes editadas (”Cerrar” en vez de “Close”). Más vale que tenía a buen recaudo la versión traducida, lo cual me evitó el tener que editar de nuevo las imágenes. En el caso de Lightbox 2, el problema es de escasa entidad, porque hay muy poco que traducir, pero con otros plugins que añaden al frontend del blog muchas cadenas de texto las dificultades derivadas de la actualización automática pueden ser mucho mayores.

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Si hay un compositor de bandas sonoras conocido por casi cualquier ser humano que tenga sentido del oído, ése es John Williams. Autor de la música de más de cien películas, sus obras están indeleblemente impresas en la memoria de varias generaciones de aficionados al séptimo arte, y forman parte de la cultura popular de nuestra época, al menos por dos buenos motivos: en primer lugar, porque la música de Williams tiene un acusado sentido melódico y orquestaciones brillantísimas; y en segundo lugar, porque las bandas sonoras del compositor norteamericano están asociadas a una larga serie de films de éxito universal. Lo demuestran los títulos en que ha intervenido desde mediados de la década de los setenta, época en que accedió a una posición incomparable en la industria cinematográfica norteamericana (y no suele tenerse en cuenta el hecho de que para entonces ya llevaba veinte años en el oficio), de la mano del entonces jovencísimo Steven Spielberg, con el que ha colaborado en veintidós películas

Sin ánimo de agotar la lista, he aquí los ejemplos más significativos de su producción desde entonces: Tiburón (1975), la hexalogía de La guerra de las galaxias (1977-2005), Encuentros en la tercera fase (1977), Supermán (1978), 1941 (1979), la trilogía de Indiana Jones (1981-1989; para 2008 se espera la cuarta entrega, también con música de Williams), E.T., el extraterrestre (1982), El imperio del sol (1987), Las brujas de Eastwick (1987), El turista accidental (1988), Nacido el cuatro de julio (1989), Presunto inocente (1990), Solo en casa (1990), Hook (1991), JFK (1991), Parque Jurásico (1993), La lista de Schindler (1993), Nixon (1995), Sabrina (1995), Sleepers (1996), El mundo perdido (1997), Siete años en el Tíbet (1997), Salvar al soldado Ryan (1998), Las cenizas de Ángela (1999), El patriota (2000), Inteligencia artificial (2001), la serie de Harry Potter (2002-2007), Atrápame si puedes (2002), Minority Report (2002), La terminal (2004), La guerra de los mundos (2005), Memorias de una geisha (2005) y Munich (2005).

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Es sorprendente (y desde luego imperdonable) que a la sección de Podcasts de La Bitácora del Tigre no haya llegado todavía uno de mis compositores de bandas sonoras predilectos: Henry Mancini, el músico de las melodías de seda, el autor de temas elegantísimos y seductores, que parecen haber nacido para ser tarareados infinitamente, hasta el fin de los tiempos.

A Mancini le conoce hasta el más recalcitrante enemigo de la gran pantalla, gracias al tema principal de La pantera rosa, que originalmente fue una de las más afortunadas películas cómicas de un genio de la comedia como Blake Edwards (músico y cineasta trabajaron juntos en nada menos que 28 títulos), y que con el correr de los años se convirtió en santo y seña musical de una celebérrima serie de dibujos animados. En Pamplona lo conoce todo el mundo, aunque no sepa su nombre, porque en los tendidos de sol de la plaza de toros de San Fermín, durante las corridas, las fanfarres de las peñas suelen interpretar, siempre con gran efectismo y éxito garantizado, los compases iniciales de Peter Gunn (varias versiones del tema pueden escucharse en Radio.Blog.Club).

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La filmografía de John Ford abunda en películas inolvidables en todos y en cada uno de sus elementos: argumento, personajes, escenarios, fotografía, estructura narrativa… Cuesta cierto esfuerzo, sin embargo, recordar de entre tantas obras memorables alguna que destaque por su banda sonora, circunstancia que el propio Ford tal vez avaló inconscientemente con una de sus célebres boutades, a la que no le falta un sólido punto de razón: “No me gusta la música de las películas. Detesto ver a un hombre en el desierto muriéndose de sed con la orquesta de Filadelfia detrás de él” (citado por Joaquín R. Fernández en Breve historia de las bandas sonoras).

A la luz de una declaración semejante, sería fácil suponer que a Ford no le preocupaba especialmente la ambientación sonora de sus films. Suposición aventurada, claro está, que enseguida queda desmentida con la apabullante nómina de los compositores que colaboraron con el cineasta norteamericano: Max Steiner (La patrulla perdida, El delator, Centauros del desierto), Alfred Newman (El joven Lincoln, Las uvas de la ira, Qué verde era mi valle, La conquista del Oeste), Richard Hageman (El fugitivo, Fort Apache, Tres padrinos, La legión invencible), Victor Young (Río Grande, El hombre tranquilo, El sol siempre brilla en Kentucky), Franz Waxman (Escala en Hawai), Alex North (El gran combate) o Elmer Bernstein (Siete mujeres).

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El pasado jueves ironizaba sobre mi transitoria fascinación por las exquisiteces orientales. Hoy tengo que añadir a la lista de japoneserías y coreanidades que elaboré entonces una deliciosa y romántica chinoiserie. Me refiero, claro está, a El velo pintado, la película de John Curran que se estrenó en nuestras pantallas el pasado viernes, a cuya proyección acudí urgido por un argumento incontestable: “con el frío y el aire que hace, yo sólo me muevo de casa para ver El velo pintado“, me dijo Pilar.

Conste que aunque hubiera hecho una noche primaveral también me hubiera convencido su retórica, porque, aunque no tanto como a ella, también a mí me gustan las películas de amor y lujo (aclaro, para quienes no la hayan visto, que en El velo pintado hay menos lujo que amor). No es que las pretenda como un plato diario, pero de vez en cuando me agrada ver una comedia o un drama de ambientación victoriana o eduardiana, de esos que los directores de la época dorada de Hollywood sabían hacer con los ojos cerrados, y cuya práctica todavía no se ha olvidado en cinematografías como la inglesa o la francesa.

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Acabo de terminar Tokio Blues (Norwegian Wood), la famosísima novela del escritor japonés Haruki Murakami. En realidad, quería haber leído Kafka en la orilla, pero en la librería El Parnasillo no la tenían cuando fui a comprarla, y acabé por hacer caso de la recomendación del librero, Javier López de Muniáin, quien me aconsejó que iniciara mi experiencia lectora de Murakami con esta novela, el primer gran éxito del escritor japonés.

Seguí el consejo de mi librero, a pesar de que la sinopsis del argumento no me entusiasmaba, más bien al contrario. Tal vez con excesiva suspicacia, suelo desconfiar de las novelas protagonizadas por jóvenes, sobre todo si tratan temáticas supuestamente “juveniles”. Más vale que recordé a tiempo una de las últimas novelas que he leído de tales características, la maravillosa Nunca me abandones de Kazuo Ishiguro (inglés pero de ascendencia japonesa, vaya coincidencia), porque de otro modo tal vez no me hubiera animado a comenzar Tokio Blues.

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Y peores para la épica, como acertadamente deja caer en un paréntesis muy sugestivo Cuaderno de Clase. Angus ha tomado el testigo de Jesús Mª González Serna y rinde apropiado homenaje a la cita de Bertolt Brecht en su Cuaderno amarillo, con una versión extraordinariamente vigorosa, aunque también un tanto desafinada y caótica, del tema homónimo de los inolvidables Golpes bajos (¿es cierto que el primer nombre del grupo fue Patada en los co…, y que su discográfica les propuso una denominación menos heavy, o es una historia apócrifa? No he conseguido confirmar el dato por mucho que he buscado en la Red).

Como Golpes bajos era uno de los grupos que más me gustaba en los 80, y en espera de que algún Homero contemporáneo recupere la épica de verdad (Dan Simmons lo intenta denodadamente, pero no llega a la altura), he decidido continuar aquí el homenaje al dúo (y luego cuarteto) vigués, con el tema original, que he convertido en MP3 a partir de Los alegres 80 I, un libro-disco que publicó El País, hace ya algunos años, en su colección Un país de música 2. Un disco excelente, por otra parte, con piezas tan memorables como la “Escuela de calor”, de Radio Futura, “El pistolero”, de Los Pistones, la toxicómana “Princesa” de un Joaquín Sabina en su plenitud, o la “Embrujada” de Tino Casal.

Mis estimados colegas blogueros, La Bitácora del Tigre tiene el honor de traer a su sección de podcasts “Malos tiempos para la lírica”, en la interpretación de Germán Coppini (una de las voces más personales de todo el pop de los 80) y Teo Cardalda.

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Por esta sección de podcasts, en la que no publicaba desde hace seis semanas, se asoma hoy un gigante de la música para películas, Bernard Herrmann. Compositor favorito de Alfred Hitchcock, para quien escribió las partituras de Algo pasa con Harry, El hombre que sabía demasiado, Falso culpable, Vértigo, Psicosis, Marnie la ladrona y Cortina rasgada, Herrmann fue también autor de las bandas sonoras de muchas otras películas memorables, como Ciudadano Kane y El cuarto mandamiento, de Orson Welles, El fantasma y la señora Muir, de Joseph L. Mankiewicz, Ultimátum a la Tierra, de Robert Wise, La casa en la sombra, de Nicholas Ray, Los desnudos y los muertos, de Raoul Walsh, El cabo del terror, de J. Lee Thompson, Fahrenheit 451 de François Truffaut, Hermanas y Obsesión, de Brian de Palma, o Taxi Driver, de Martin Scorsese. Este último film, que contiene uno de los solos de saxo más estremecedores de la historia del cine, está dedicada a la memoria del compositor neoyorkino, fallecido algunos meses antes del estreno.

Es difícil encontrar otro compositor con una trayectoria de tan altísima calidad. La belleza de sus melodías, la perfección de sus orquestaciones y lo variado de sus recursos musicales lo convierten en todo un emblema de la música para cine. Yo he querido traer a La Bitácora del Tigre uno de sus temas más evocadores, aunque no de los más conocidos, una música maravillosa, poética y al tiempo dramática, con algo de la delicadeza de los impresionistas franceses, pero también con la intensidad subyugadora de las melodías infinitas wagnerianas, que subraya perfectamente las sensaciones de añoranza y pérdida que recorren la película a cuya banda sonora pertenece. Es el “Romance” de Las nieves del Kilimanjaro, un clásico del cine romántico y de aventuras, muy libremente basado en el libro de cuentos homónimo de Ernest Hemingway (la traducción española se puede leer en Ciudad Seva). La película fue dirigida por Henry King en 1952, con dos de los actores más apuestos de la historia del séptimo arte -Gregory Peck, mi actor favorito y Ava Gardner- en el reparto.

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Me parece imperdonable no haber traído antes por esta sección dedicada a las bandas sonoras de películas la música de Evangelos Odysseas Papathanassiou, conocido en el mundo artístico como Vangelis, el poeta griego de los sintetizadores y los efectos atmosféricos. No sé si vale como disculpa el haberlo mencionado hace algo más de un mes, en la entrada sobre Ennio Morricone y, a principios de este mismo año, en la reseña de la película Crash, pero por otra parte estoy seguro de que la espera habrá merecido la pena, porque el tema que he seleccionado para el podcast es uno de esos que le ponen la piel de gallina a cualquier aficionado a la música escrita para el cine.

Para los que nos hicimos adultos al principio de la década de los ochenta (se estrenó en 1982), Blade Runner, del director inglés Ridley Scott, es todo un mito generacional. Para mí es mucho más que una película de culto, o un objeto de devoción cinéfila. Es la película que orientó definitivamente mi gusto por el cine de ciencia ficción, la que me dejó sin habla con los planos de una bellísima Sean Young (nunca ha sido más hermosa y mejor actriz que en esta película), la que me hizo envidiar la apostura y la masculinidad vulnerable de Harrison Ford, la que me llenó los ojos de imágenes que no me dejaban conciliar el sueño.

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