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He visto dos veces Prometheus, la primera en una proyección convencional, y la segunda, pocos días después, en 3D. Aunque la proyección estereoscópica no aporta demasiado valor a la película, ya que la tridimensionalidad solo mejora su espléndido acabado visual en contadas secuencias (la más destacada es, probablemente, la epifanía astronómica que experimenta el androide David en la nave de los Ingenieros), al menos esta segunda proyección me ha servido para matizar algunas de las impresiones negativas que me produjo el film de Ridley Scott tras verlo por primera vez.

He de aclarar que no es que la película me disgustara en ese primer pase, sino que me dejó un extraño regusto, incómodo y difícil de definir. Me pareció entonces una producción ambiciosa que plantea muchas preguntas sin responder satisfactoriamente a casi ninguna, y que combina demasiadas líneas argumentales: las que plantea en su primera mitad, a mi modo de ver la más sólida, las que de un modo un otro ha heredado de sus antecesoras de la serie Alien, y distintos motivos propios del género cinematográfico de la ciencia ficción, que inevitablemente traen a la memoria del espectador títulos como 2001, Blade Runner, Supernova, Misión a Marte o Avatar. Todo ello da como resultado un largometraje muy atractivo desde el punto de vista visual y con muchas secuencias muy logradas, pero también con varios aspectos discutibles.

Si hubiera de basarme en las impresiones que saqué de la primera proyección, en las opiniones de los familiares y amigos con los que he discutido acerca de la película, y en la mayor parte de las críticas que he tenido ocasión de leer hasta la fecha, tendría que concluir con la rotunda afirmación de que Prometheus no ha satisfecho las expectativas que los aficionados al cine de ciencia ficción nos habíamos formado cuando nos enteramos de que Ridley Scott había vuelto a gobernar el rumbo de una franquicia extraviada en los cada vez más delirantes enfrentamientos entre aliens y predators. Sin embargo, después de ver Prometheus por segunda vez, creo que hay matizar esa conclusión y plantear la valoración de la película en términos más ecuánimes, desde una perspectiva parecida a la que por ejemplo plantea en su reseña Ángel Sala (“El mensaje de los dioses”, Dirigido Por…, 424, julio-agosto 2012, pp. 24-27).

Para comenzar, quizás habría que abordar la crítica sobre Prometheus partiendo del hecho de que la película se caracteriza por una dicotomía interna muy peculiar. Enfrentado a una abrupta tensión entre el marco conceptual y estético de lo que podríamos denominar “el universo alien”, y las ideas que en ese marco inserta esta nueva película –el afán de conocer a los posibles creadores de la especie humana, la búsqueda de otros seres inteligentes en el universo, el deseo de inmortalidad–, el largometraje no acierta a concluir casi ninguno de los caminos que emprende, aunque los recorre casi todos con propuestas de indiscutible calidad. Esa dicotomía es evidente en muchos aspectos del film: en primer lugar, en el contraste estilístico entre el ritmo y el tono visual de la primera parte de la película, lenta, serena y luminosa, y el aceleramiento del ritmo, asociado a tonalidades oscuras y siniestras, que se produce a partir del descubrimiento de la nave de los Ingenieros; en segundo lugar, en la clara división entre los personajes de la historia: unos, los menos, protagonistas de una búsqueda que de algún modo cabe calificar como “espiritual”, y otros, la mayoría, que apenas tienen otro interés que el cumplimiento de sus deberes profesionales o la satisfacción de sus aspiraciones económicas; por último, en el doble final, que a modo de Jano bifronte establece sendas conexiones con el futuro de la serie cinematográfica (pues es obvio que el guion ha sembrado las semillas de próximas secuelas), y con las pasadas entregas de la serie Alien.

De semejante dualidad es difícil salir indemne, y lo cierto es que Prometheus sangra por varias heridas que no son fáciles de restañar. Aunque no me parece improbable que con el paso de los años cobre una mayor estatura, como ya ocurrió con las mismísimas Alien y Blade Runner, a mi modo de ver se queda corta, difusa y quizás algo timorata en su voluntad de aportar aires nuevos a la saga Alien (a juzgar por lo visto en la campaña de marketing, hay indicios para pensar que esos defectos puedan tener alguna relación con restricciones en la producción o con recortes en la mesa de montaje). Por otro lado, en su reescritura del texto de sus predecesoras, y especialmente del film de 1979, Prometheus padece un innegable prurito de fidelidad a muchos de sus motivos argumentales e icónicos más característicos, sin alcanzar, en cambio, la concentración dramática, la densidad claustrofóbica y el escalofrío moral, casi metafísico, que se han convertido en las señas de identidad de aquella magnífica película de terror espacial.

Con todo, no creo que sea acertado valorar el mérito de una película en función exclusiva de su capacidad para satisfacer las expectativas generadas en el público, entre otras muchas razones porque los cincuentones para los que el primer Alien fue una revelación inesperada hace tiempo que padecemos esa insidiosa enfermedad que es la mitificación de la nostalgia. A quienes vayan al cine con su horizonte de expectativas fijado en la película de 1979, hay que advertirles que Prometheus no podrá nunca satisfacerles de la misma manera que lo hizo Alien, por la sencilla razón de que se trata de dos películas que se mueven en coordenadas muy distintas: la de 1979 era mucho más simple en concepto, pues nunca pretendió ser otra cosa que un cuento de terror gótico trasplantado a un mundo futuro (eso sí, espléndidamente contado y realizado), con un monstruoso alienígena en lugar de fantasmas o espectros, mientras que en la de 2012 los horrores malignos son solo uno de los ingredientes –y no precisamente el más importante, ni acaso el más convincente– de una historia sustancialmente distinta.

Además, Prometheus es un buen ejemplo de la conveniencia de abordar el fenómeno de la ambigüedad no como un defecto, sino como virtud de las producciones cinematográficas, incluso aquellas más comerciales, que siempre están sometidas a una mayor presión por parte del público para adoptar finales conclusivos, redondos y esencialmente positivos. En este sentido, hay que subrayar el hecho de que uno de los aspectos más conseguidos del film, el tejido de problemáticas relaciones que establecen los tres personajes protagonistas –la arqueóloga Elizabeth Shaw, la directora de la misión Meredith Vickers, y el androide David– está recorrido por una ambigüedad muy notable, que no por quedar irresuelta (o con cabos sueltos, o incluso con ciertas inconsistencias) resulta menos fascinante. Me gustaría extenderme sobre este punto, pues en general ha sido poco desarrollado en la mayoría de los comentarios, críticas y reseñas que he leído hasta el momento.

De los tres personajes que acabo de citar, el androide David es, sin discusión posible, el mejor de la película, y a él voy a dedicar la mayor parte de mis notas. Gracias no solo a los méritos del guion sino a la extraordinaria interpretación de Michael Fassbender, caracterizada por una presencia física tan sutil como perturbadora, forma ya parte del panteón de iconos de la ciencia ficción contemporánea, casi a la altura del Roy Batty de Blade Runner, con quien mantiene, como no podía ser de otro modo, habida cuenta de que el “padre” de ambas criaturas es el mismo, numerosos puntos de contacto. Lo más interesante de este personaje es el hecho de que, a pesar de las abundantes pistas que la trama proporciona, no sabemos del todo por qué actúa como lo hace, ni cuáles son exactamente sus motivaciones, ni las razones que presiden su actitud ante sus compañeros de tripulación, en la que se mezclan el capricho casi infantil, el desdén o incluso el resentimiento y una clara conciencia de superioridad sobre las limitaciones inherentes a la condición human. Gracias a esas indefiniciones, el personaje de David se convierte en una criatura de ficción muy enriquecedora de la serie cinematográfica de la que forma parte, pues su desapego y elitismo no tienen nada que ver con un robot como el heroico y sacrificado Bishop de Aliens y Alien³, mientras que por otra parte su elegancia y fascinación hacia la doctora Shaw lo alejan de la olímpica indiferencia y la crueldad del Ash de Alien. Si hubiera que buscar dentro de la serie un personaje robótico con una ambigüedad semejante, tal vez habría que remitirse a la androide femenina Annalee Call, de Alien: resurrección, aunque lo cierto es que este personaje tiene mucha menos complejidad y relieve que David.

Cuando vi la película por primera vez, se me ocurrió que David encajaba como un guante en el patrón de una inteligencia artificial enloquecida a causa de órdenes contradictorias (por cierto, según he leído en el artículo que la versión inglesa de la Wikipedia dedica al film de Ridley Scott, Fassbender se inspiró en el ordenador HAL 9000 de 20o1 para elaborar la peculiar entonación, a la vez melodiosa y turbadora, de la voz de su personaje), pero al verla de nuevo y pensar más detenidamente sobre el comportamiento del androide se hace inevitable concluir que las aparentes arbitrariedades de su conducta son coherentes con uno de los principios de su programación, que es al mismo tiempo un rasgo esencial de la especie humana: la curiosidad, el inextinguible deseo de aprender¹. Sin embargo, este aspecto tan atractivo de su personalidad no se compadece con otros rasgos específicamente humanos de los que también adolecen otros miembros de la tripulación de la Prometheus (la frialdad y distanciamiento de los personajes también era un rasgo característico de la primera Alien, que se repite en otros muchas figuras de la serie): la empatía, la compasión y el deseo de evitar el sufrimiento del prójimo.

Hay otro rasgo del comportamiento del androide muy conspicuo y muy poco “robótico” por llamarlo de algún modo, y es el hecho de que en sus investigaciones en la nave de los Ingenieros, a menudo por su propia cuenta y sin seguir las instrucciones emitidas por Meredith Vickers y sus patrones de Industrias Weyland, y sobre todo en su peculiar política de castigos hacia aquellos miembros de la tripulación con los que tiene alguna discrepancia (véase, por ejemplo, el horrendo obsequio que otorga al doctor Holloway después de que este lo desprecie abiertamente al justificar la creación del androide con el supremo argumento de que los hombres lo fabricaron “porque podían” y reconozca, acto seguido, estar dispuesto a hacer cualquier cosa por alcanzar sus metas), David se muestra completamente al margen de cualquier moral convencional, nada identificado con la lógica del “robot bueno” que tan cara es para los aficionados a la literatura y el cine de ciencia ficción desde que Isaac Asimov la consagrara con sus tres leyes de la robótica.

Todo ello me lleva a señalar que algo (o mucho) hay en este personaje de la figura del superhombre nietzscheano, ya que su modo de obrar no es solo el resultado esperable de su programación o de las directrices emitidas por la empresa que lo creó (el siempre esquivo y turbio conglomerado industrial propiedad de Peter Weyland), sino sobre todo producto de una férrea voluntad de conocimiento y por tanto de poder. No es una coincidencia, en este sentido, la atención que el androide presta durante sus largos turnos de vigilia, rumbo a la luna LV-223, a un personaje tan singular como T.E. Lawrence, y en particular a la famosa escena de la película de David Lean en la que el oficial británico demuestra ante sus asombrados colegas cómo es capaz de superar, mediante un acto de voluntad, el dolor producido por la quemadura de una cerilla.

Quizás en esta lógica de una moralidad sobrehumana (o antihumana, según se mire) se encuentre la explicación del monstruoso comportamiento del androide con respecto a la tripulación de la nave Prometheus, y también el origen de su ambigua fascinación por la doctora Shaw, a quien ve en primer lugar como amenaza o competidora, para luego valorar su fe inconmovible y su inesperada capacidad de sobreponerse a las más duras pruebas. Contra todo lo esperable en una criatura de sus características, David posee una moral autónoma que deriva de unos planes para la misión también autónomos, que no coinciden con los de la arqueóloga, ni con los de Meredith Vickers, ni tampoco con los de un Peter Weyland que cada vez que aparece en la película lo hace investido de los atributos siempre cuestionables de un deus ex machina, finalmente patético e inútil. Aunque el androide sea en gran medida responsable de la exposición de alguno de los personajes a la voracidad de los xenomorfos, los planes de David poco tienen que ver con la maligna biología depredadora de estos (digamos que entre uno y otros se da una peculiar coincidencia de intereses) y sí, en cambio, con la ciencia y el conocimiento atesorado por los Ingenieros, también a su vez revestidos de una omnipotencia tan inhumana como finalmente ilusoria.

Sean cuales sean los motivos del androide, siempre aparecen velados ante los tripulantes de la Prometheus por una apariencia esquiva e inaprensible, que se torna todavía más inquietante por sus corteses maneras y su exquisito comportamiento social. No es extraño, pues, que los humanos embarcados en la misión traten a su compañero no biológico con actitudes que se mueven entre la condescendencia (Holloway) y el abierto rechazo (Vickers), todo lo cual acaba por crear en los espectadores una creciente sensación de inquietud y desasosiego, más propia de lo fantástico que de la ciencia ficción o el terror (y, por cierto, distinta de las emociones que suscitaba Alien, más próximas al miedo y el espanto). Quizás esta diferencia emocional tenga algo que ver con los reproches de frialdad y escasa consistencia que se han dirigido a Prometheus al compararla con su antecesora; aun admitiendo que les asiste parte de razón, y que tanto el retrato de los personajes como la estructura dramática distan de ser satisfactorios, creo que hay demasiadas críticas que han forzado la nota.

Por ejemplo, se ha subrayado hasta la extenuación la falta de entidad y la endeblez del personaje de Vickers Meredith. La figura de la directora de la misión, encarnada por una Charlize Theron cuya interpretación no es tan deleznable como muchos comentarios han señalado, puede analizarse como el equivalente humano del androide David, tan semejante a él en su frialdad y distanciamiento (la puesta en escena subraya estas cualidades mediante una muy deliberada estilización de su vestuario) que el comandante de la nave llega a preguntarle si ella no es también una máquina. Sin embargo, esta frialdad es solo fachada, ya que Vickers esconde en su interior pasiones volcánicas, cuidadosamente reprimidas bajo una apariencia de altanería y eficiencia. La notoria conflictividad entre la directora de la misión y los otros dos personajes centrales de la trama no está basada en la racionalidad que podría derivarse de sus distintos intereses (aunque también se da esta oposición), sino en motivos mucho más humanos y, si se quiere, rastreros, que en última instancia se explican por el sometimiento de la directora a las pasiones del resentimiento familiar, la envidia y el deseo de poder. Incluso la anécdota levemente humorística que anticipa un ocasional encuentro sexual entre Vickers y Janek, el comandante de la nave (un Idris Elba que exhibe su potente humanidad en la pantalla con la chulería y el desapego cachazudo de un viejo lobo de mar espacial bregado en mil singladuras) sugiere que el personaje de la directora de la misión no es el pedazo de hielo que a ella le gusta aparentar.

El último integrante del trío de protagonistas es la doctora Elizabeth Shaw, a quien Noomi Rapace encarna con una interpretación no menos enérgica que la que en su día consagró a Sigourney Weaver. En este caso, nos encontramos con un personaje muy distinto a los anteriores, pues se trata de una mujer apasionada, vehemente, con una valiosa vida familiar y afectiva a sus espaldas (una de las escenas más hermosas de la película, técnicamente muy bien realizada, es la que nos muestra a David velando o quizás espiando los sueños de la arqueóloga durante la fase de hipersueño de la tripulación, en el viaje a la luna LV-223) y una fe vagamente religiosa, aprendida de su padre misionero, que la singulariza abiertamente entre todos los miembros de la tripulación. La ambigüedad inherente a personajes como Vickers o David parecería no poder contaminar una figura cuya conducta es siempre directa, sincera y de intenciones transparentes. Sin embargo, no hay otro personaje en toda la historia que sufra una transformación más terrible y brutal, comparada con la cual el combate que libra la suboficial Ripley contra la reina alien se antoja una simple escaramuza². La determinación y el arrojo que Shaw demuestra en su propia supervivencia da lugar a una de las mejores secuencias de la película, perfecta combinación del horror biológico representado por los xenomorfos y las maravillas tecnológicas que el género de la ciencia ficción es capaz de imaginar, cuyo valor simbólico es claramente el de una transformación o metamorfosis³. La mujer que brota de esa transformación es una nueva Elizabeth Shaw, no del todo descreída, pero en gran medida des-almada, consciente de lo equivocado de sus proyectos e ilusiones, y capaz de cualquier acción para sobrevivir. La crítica ya citada de Ángel Sala augura que en las próximas entregas de la serie veremos a Shaw convertida en una “exterminadora de mundos”, y a tenor de lo visto en esta película, no me parece una suposición nada aventurada.

En contraste con los tres protagonistas, el resto de los personajes resulta más bien anodino, por no decir vulgar, y en su mayoría de una dudosa consistencia dramática, como buen número de críticas se han dedicado a subrayar. Incluso aceptando que una cinta de ciencia ficción con monstruos y alienígenas no es en principio el escenario más favorable para delicadas exploraciones sicológicas⁴, no se entiende muy bien por qué la mayoría de los tripulantes de la Prometheus, encabezados por la pareja involuntariamente risible que forman el geólogo Fifield y el biólogo Millburn (el doctor Holloway, compañero sentimental de Elizabeth Shaw, tampoco les anda muy a la zaga en torpeza), tienen que tener un comportamiento tan –pido perdón por la expresión– gilipollas, tan inverosímil, tan absurdamente incoherente con la racionalidad y prudencia que cabe esperar de un grupo de científicos dedicados a explorar mundos extraterrestres. Da la sensación de que tanto con estos personajes como con ciertos aspectos de la trama Ridley Scott se ha desviado deliberadamente de lo que podríamos llamar el ámbito de la ciencia ficción “seria”, y ha optado por seguir los códigos de las películas de terror de serie B, cuyos espectadores bien que los personajes más descerebrados con los primeros en morir. Por el contrario, en el retrato de personajes como el capitán Janek y sus dos ayudantes, Scott ha preferido hacer un guiño a los estilemas característicos de las películas que tienen como escenario barcos de guerra, subrayando el escepticismo, la camaradería y el espíritu de sacrificio (adobado por ciertos toques gamberros y macarras) de los profesionales de la navegación.

La entidad de los tres protagonistas de la historia no es el único aspecto en el que la película resulta desasosegante. De hecho, resulta llamativo que ante ideas de tanta trascendencia y alcance como las que plantea el largometraje –la existencia de una potencia creadora de vida en el universo, el origen de la humanidad, el signo de la evolución de nuestra especie–, la historia que se nos cuenta en Prometheus destile una impresión de tan amargo escepticismo que casi puede considerarse como nihilista (a este respecto, conviene prestar atención a las últimas palabras que susurra el personaje de Peter Weyland). A la vista de lo que ocurre en la historia, la inteligencia y las extraordinarias capacidades de David no son, en modo alguno, una garantía de que la evolución de la humanidad, de la mano de la mente expandida del androide o de la ciencia y la tecnología que los seres humanos puedan aprender de los Ingenieros, tenga una orientación positiva, concepto en el que cabe advertir una referencia sarcástica hacia el mito que da nombre al título de la película. Tampoco es ninguna garantía –antes al contrario- lo que descubrimos acerca de la verdadera naturaleza de los Ingenieros, a pesar de que el carácter extático de la impresionante secuencia prólogo con la que se abre el film⁵, subrayado por el grandioso tema compuesto por Marc Streitenfeld para ese pasaje⁶ y sobre todo los testimonios arqueológicos que han recopilado los doctores Shaw y Holloway, llevan a presunción de que sean seres dotados de una actitud benéfica y protectora hacia sus criaturas.

En realidad, el desarrollo argumental de la segunda mitad de la película no puede estar más alejado de esas bienintencionadas suposiciones y de cualquier teoría a lo Von Däniken: a los Ingenieros les importa un bledo la humanidad, o más bien tienen sobre ella una concepción patrimonial, ya que si ellos la crearon, de igual modo pueden destruirla, sin justificaciones y sin lamentos; sus naves, sí, son fruto de una tecnología tan avanzada que asombra a una mente tan racional como la del androide David, aunque al mismo tiempo constituyen el instrumento destinado a perpetrar un genocidio de escala planetaria; por último, la perfección física y la fortaleza ciclópea de estos seres superiores, que parecen cincelados en el mismo mármol de Carrara con el que Miguel Ángel esculpió a su David, son cualidades inútiles ante la demoníaca perfección biológica del Mal que ellos mismos han desatado. La sobrecogedora sugerencia, ya apuntada en el primer Alien, de que una tecnología extraordinariamente avanzada pudo ser domeñada por ese símbolo omnímodo del Mal que son los xenomorfos, queda reforzada en esta película por otra idea no menos inquietante (alguien podría adjudicarle el calificativo de “materialista”, o incluso de “nihilista”) y todavía más difícil de aceptar sin un escalofrío: que si los creadores de la humanidad pertenecen a una raza de superhombres, también dichos seres están más allá de los parámetros emotivos que se supone nos hacen “humanos” a sus criaturas; el destino de la humanidad, su dolor, su angustia, son para ellos tan incomprensibles y en última instancia tan inanes como para nosotros serían los presuntos sentimientos de una horda de cucarachas.

Ridley Scott ha declarado que uno de los motivos que explican la génesis de Prometheus es el deseo de ahondar en el origen del celebérrimo space jockey de Alien. Pues bien, aunque la naturaleza de su extraña amalgama biomecánica y el porqué de su agujero en el pecho se desvelan con bastante precisión, esta película no explica de dónde vinieron los Ingenieros, ni sus motivaciones para crear a la humanidad, ni tampoco las razones por las cuales han tomado una decisión tan drástica con respecto a la especie inteligente cuyo ADN precursor sembraron en la Tierra prebiótica: ¿les ha decepcionado, les molesta, presenta el riesgo de entrar en competencia con ellos? Prometheus no responde a ninguna de estas preguntas, lo que puede resultar incómodo y decepcionante para muchos espectadores, pero no creo que esta voluntaria omisión sea en modo alguno reprochable, ya que la indeterminación es en gran medida un rasgo consustancial a toda la serie Alien e incluso a la ciencia ficción más consciente de sí misma. No hay que olvidar, además, el hecho de que tales enigmas tienen todo el aspecto de una estrategia deliberada destinada a asegurar una buena acogida del público a la próxima entrega de la serie, cuya puerta ha quedado entreabierta por el primero de los dos desenlaces de la película. Queda en el aire el destino que aguarda en esa posible secuela los supervivientes de la trama de Prometheus (por lo que he leído, Michael Fassbender y Noomi Rapace ya han acordado con la productora su continuidad), pero es más que probable que, sobre todo en el caso de la doctora Elizabeth Shaw, la configuración de su personaje sea muy distinta a la que hemos visto en este largometraje.

Prometheus está siendo el escenario de apasionadas discusiones, pero si hay un punto en el que casi todos los comentaristas se ponen de acuerdo, este es el de la arrolladora imaginación visual que preside toda la película. En este sentido, quizás estemos ante el film más variado y con una mejor puesta en escena de toda la serie, pues no se limita a los claustrofóbicos interiores de naves espaciales ni a la siniestra y malsana imaginería biomecánica heredada de H.R. Giger. En el nuevo largometraje de Ridley Scott hay mucho donde elegir: esplendorosos paisajes naturales, como por ejemplo los que corresponden a los solemnes planos aéreos de la secuencia prólogo, filmados en Islandia, que se supone recrean la Tierra en su época prebiótica; las majestuosas imágenes que narran la entrada de la nave en la atmósfera de la luna LV-223 y su posterior aterrizaje, para las cuales solo puede hallarse un antecedente de majestuosidad comparable en el Avatar de James Cameron; las poéticas escenas en el interior de la nave, reino solitario del androide David, dedicado a velar el sueño criogénico de sus compañeros de viaje mientras estudia lenguas muestras, juega al baloncesto montado en bicicleta o contempla la famosa escena de Lawrence de Arabia en la que T.E. Lawrence demuestra su impavidez ante el dolor; la ya citada secuencia del descubrimiento del mapa estelar por parte de David, verdaderamente antológica por su poder de revelación y la belleza de sus fascinantes imágenes holográficas; la espantosa operación de cirugía extrema a la que se somete a sí misma la doctora Shaw; por último, los planos que muestran el recorrido de las sondas cartográficas –máquinas inquietantes dotadas de un movimiento más propio de entidades biológicas que de aparatos mecánicos–, mientras escanean con luces de un enfermizo resplandor rojizo el interior de la formación rocosa descubierta en la superficie de la luna.

Otro aspecto por el que Prometheus me ha llamado poderosamente la atención es el de su promoción comercial, que tal vez no interese mucho a los espectadores ocasionales, pero que sin duda tiene un gran atractivo para los cinéfilos, sobre todo si son aficionados a la ciencia ficción. Me refiero, en concreto, a la potente e ingeniosa campaña de marketing viral que ha precedido al estreno de la película, entre cuyos elementos integrantes me gustaría destacar el ya citado sitio web de la ficticia compañía Weyland Industries, tan verosímil que es casi increíble que no corresponda a ninguna corporación real, o el enérgico discurso que un joven y arrogante Peter Weyland pronuncia en una conferencia TED, supuestamente celebrada en 2023, es decir, unos setenta años antes de los hechos que cuenta el largometraje. He aquí el vídeo original y su versión subtitulada en español:

No quiero terminar esta larga reseña de Prometheus sin hacer referencia a las singulares relaciones que en un blog tan largo y variado como este pueden surgir, misteriosamente, a partir de los muy heterogéneos artículos que lo componen. Para explicar esas relaciones, necesito dar un breve rodeo, que comienza haciendo referencia a las pinturas rupestres halladas en una cueva de la isla escocesa de Skye por la doctora Shaw, al principio de la película. Seguramente con el fin de otorgar mayor verosimilitud al ficticio descubrimiento, Ridley Scott sitúa, a mano derecha de la imagen de los Ingenieros pintada en la cueva por los hombres prehistóricos, unas cabezas de caballos idénticas a las del abrigo prehistórico francés de Chauvet⁷. Pues bien, son las mismas cabezas equinas, y la misma cueva, a las que Gregory Curtis dedica el capítulo IX de su libro Los pintores de las cavernas. El misterio de los primeros artistas, obra que yo reseñé hace bien poco en este mismo blog. Dicen los que saben que esta presencia constituye un homenaje de Scott a La cueva de los sueños olvidados, extraordinario documental que el cineasta alemán Werner Herzog rodó hace un par de años sobre el tema del arte paleolítico en las cuevas del sur de Francia. Con esa explicación debiera bastarme, pero a mí me gusta pensar, además, que el universo incognoscible en el que vivimos se complace, de vez en cuando, en ofrendarnos, para nuestro deleite y asombro, estas inesperadas coincidencias.

1. A los lectores que estén interesados en conocer los principios de la programación del androide y en escuchar su voz en versión original, les recomiendo que presten atención a este extraordinario vídeo, publicado en la web de Weyland Industries como parte de la campaña de promoción de la película.
2. Quienes se limitan a señalar que Prometheus es una simple repetición de los motivos de Alien, y que Shaw no es más que otra pieza acuñada en el molde de Ripley, deberían ver de nuevo ambas películas. Una comparación desprejuiciada de los dos films no creo que pudiera concluir con el triunfo por KO y en el primer asalto de la suboficial del Nostromo. Como mucho, y habida cuenta de que Ripley fue toda una novedad en el género –la primera mujer que protagonizaba una historia semejante, ¡y además en paños menores en la escena culminante!–, estaría dispuesto a reconocerle una ajustada victoria por puntos.
3. Esta idea queda reforzada por el hecho de que el primero de los dos desenlaces de la trama tiene lugar en el día de Año Nuevo del año 2094. No parece descabellado interpretar la ubicación de esa secuencia en fecha tan señalada como la sugerencia de una completa renovación del personaje y de su destino.
4. Recordemos que el retrato de los personajes de la Nostromo en Aliens tampoco destacaba por la profundidad y finura de su dibujo, ya que más bien estaba interesado en llevar a cabo una vívida representación de la vida laboral (salario, condiciones de trabajo) de los tripulantes. En cualquier caso, es evidente que Ridley Scott ha tenido muy en cuenta el modelo de 1979, porque hay un par de escenas en Prometheus que son prácticamente un calco de las que presentaban la vida cotidiana y las relaciones entre los miembros de la tripulación de aquella nave de carga.
5. Aquí va un spoiler descarado: la secuencia prólogo, que casi todo el mundo ha interpretado como una representación de la creación de la vida en la Tierra, también podría analizarse de otra forma totalmente distinta. El Ingeniero que allí aparece, disolviendo el ADN de su materia corporal en las aguas de la Tierra prebiótica, tal vez no sea el enviado de una raza generosa, sino un réprobo, un criminal. La ingesta de la negra sustancia mutágena, que tanta importancia adquiere en la trama de la película, no sería, de acuerdo con esta interpretación, un sacrificio altruista, sino una ejecución por suicidio, parecida a la que se le impuso a Sócrates.
6. Se trata del tema titulado “Life”, cuya melodía se repite en otros cortes de la banda sonora, como por ejemplo “Earth”. Aunque la composición de Marc Streitenfeld, con su duplicidad característica, muy acorde con las dos almas del film –véase, por ejemplo, el contraste entre el delicado y sutil “Weyland” y el frenético “Hello Mommy”–, es muy distinta a la que Jerry Goldsmith compuso para Alien, contiene un homenaje explícito a este compositor en el tema que acompaña la presentación holográfica de Peter Weyland, titulado “Friend From the Past”.
7. Aunque he rebuscado afanosamente por la Red, no he encontrado ninguna captura de pantalla que demuestre mi afirmación, pero estoy absolutamente seguro de lo que digo, y de hecho no soy el único que ha hecho notar esta circunstancia. Véanse Ridley Scott’s ‘Prometheus’: a Review y, sobre todo, la última nota a pie de página del espléndido análisis de la película publicado por Tomás Fernández Valentí: El amanecer del hombre: “Prometheus”, de Ridley Scott.

Esta entrada Algunas ideas sobre Prometheus ha sido publicada en primer lugar en La Bitácora del Tigre.

La serpiente multicolor no pasa en silencio. De hecho, si el espectador tiene la suerte de colocarse justo al borde de la calzada, podrá oír perfectamente el siseo del pelotón, un sonido poderoso y un tanto amenazante, compuesto por el rumor de las ruedas sobre el asfalto y la conversación multilingüe de sus más de doscientos corredores. También sentirá el ventarrón que levantan los ciclistas, la potencia que desarrollan en sus pedaladas y su expresión de profunda concentración.

Como en una metáfora de la vida, la serpiente multicolor pasa ante la mirada del espectador con tanta rapidez que es imposible fijar la vista en los detalles. Solo después de reproducir el vídeo a velocidad superlenta, casi fotograma a fotograma, repara uno en el hecho algo inquietante de que, con los ojos oscurecidos y achinados por las gafas de sol, los brazos y piernas como de bronce brillante, y los cascos aerodinámicos sobre sus cabezas, los ciclistas guardan un remoto parecido con los xenomorfos de Alien.

Esta entrada El siseo de la serpiente multicolor ha sido publicada en primer lugar en La Bitácora del Tigre.

Por muchas razones de orden práctico, la comodidad entre ellas, sigo la frase atribuida a Benet como si fuera un axioma, y de aquí que un servicio como Spotify se haya convertido en uno de los recursos de la Red que utilizo con más frecuencia, a veces de forma casi compulsiva. No obstante, tengo que reconocer que tampoco le hago ascos a un buen concierto, sobre todo cuando forma parte del programa la música de alguno de mis autores o artistas favoritos. Es el caso del compositor y director norteamericano John Williams, a cuyas bandas sonoras ya he dedicado alguna que otra entrada de este blog.

El pasado domingo a mediodía, gracias a una cuña publicitaria en la radio, me enteré por pura chiripa de que el Auditorio de Barañáin había programado para el día siguiente un concierto de la Film Symphony Orchestra, una agrupación musical española, con sede en Valencia, que tiene como loable objetivo el de “acercar la música sinfónica al gran público a través de un hilo conductor tan universal como el cine”. El concierto ofrecía un completo programa de las más conocidas bandas sonoras de John Williams, así que, sintiéndolo mucho y para consternación de Pilar (pues yo había cocinado el plato principal y ella había preparado la mesa), dejé a medio terminar el suculento bacalao con patatas del que estábamos dando cuenta, y me apresuré a comprar dos butacas a través del correspondiente servicio de venta online. Afortunadamente la transacción fue rápida y pude terminar el bacalao antes de que se enfriara. A partir de ese momento, me limité a contar con expectación las horas que faltaban para el concierto y a repasar en mi discográfica la enorme producción musical del compositor americano.

Acudimos al concierto con tiempo suficiente para aparcar con tranquilidad y tomarnos un tentempié. La previsión no estuvo de más, porque como nos ocurre siempre cuando vamos a Barañáin, nos perdimos, lo cual nos obligó a hacer la consulta de rigor a los viandantes. Entonces tuvo lugar una sabrosa escena costumbrista en la que participamos nosotros dos, una señora mayor empeñada en hacernos ver que su nieta estaba entrenando en el Polideportivo de la localidad, y que dicha instalación estaba cerca del Auditorio, y una cuarta señora, bastante más joven que la anterior, que discutió la afirmación de su convecina con argumentos muy sólidamente fundados, pero no más apasionados. Pilar disfrutaba de lo lindo con la situación, pero yo empezaba a ponerme nervioso. Al final hicimos caso de la señora más joven (que resultó estar mucho mejor orientada) y enseguida dimos con el Auditorio y una providencial plaza de aparcamiento en sus cercanías.

La crisis se nota en todo, y lamentablemente los conciertos para públicos no mayoritarios no son una excepción. En la platea se veían muchos huecos, aunque los asistentes supimos compensarlos con una acogida calurosa a la orquesta y una entrega incondicional a su repertorio. De hecho, ni Pilar ni yo recordamos haber escuchado nunca unos resoplidos de satisfacción tan elocuentes –auténticos bufidos en los que se mezclaba la tensión contenida y el gozo– como los que profirió, al término de varias de las piezas de la segunda parte del programa, una persona de edad madura que se sentaba a nuestra derecha. Sin llegar a semejantes raptos de entusiasmo, debo reconocer que me rompí las manos de aplaudir y no tuve empacho de gritar, a voz en cuello, los “¡bravo!” de rigor.

Todo lo cual no quita para hacer notar que la actuación de la Film Symphony Orchestra presentó más de un punto mejorable: varios fallos de afinación en los metales, ciertos momentos en los que las cuerdas no sonaban tan empastadas como debieran, y una exuberancia tan evidente a la hora de atacar las marchas del programa (entre ellas, las de 1941, El Imperio contraataca y Superman), que en alguna de ellas el conjunto ofrecía unas sonoridades más propias de una banda que de una orquesta sinfónica.

También eché en falta en el programa del concierto algunos de mis temas favoritos, como por ejemplo, el de Siete años en el Tíbet (cada vez que escucho el chelo de Yo-Yo Ma se me ponen los vellos de punta) o la apabullante “Parade of the Slave Children”, de Indiana Jones y el templo maldito (siempre he creído que este número haría las delicias de cualquier comparsa de las fiestas levantinas de moros y cristianos), pero reconozco que en el contenido espacio de algo más de dos horas, no se puede dar entera satisfacción a todos los fans de John Williams. A cambio de esas ausencias. el director Constantino Martínez-Orts y los setenta músicos de la orquesta nos deleitaron con una amplia y variada representación de la música de Williams (para no extenderme demasiado, remito de nuevo al programa publicado en la web de la FSO), culminada por dos espléndidos bises: el humorístico tema principal de La terminal, con la participación solista de un clarinetista que tenía un envidiable sentido del ritmo y de la presencia escénica, y la ya citada y celebérrima marcha de Superman.

Guardo en el teléfono móvil varias instantáneas del concierto, pero son de calidad tan dudosa que prefiero ilustrar esta entrada con tres vídeos que reproducen otras tantas actuaciones de la FSO. El primero fue grabado durante el concierto al que asistimos, y corresponde al delicado tema principal de Memorias de una geisha; el segundo, que registra la interpretación del maravilloso «Flight to Neverland» de Hook (una de las piezas que mejor representan la magia de la música de Williams y su fecunda asociación con Steven Spielberg), se grabó durante el concierto matinal que ofreció la FSO el día 11 de marzo, en el Auditorio Palacio de Congresos de Zaragoza; el tercero, en el que la orquesta interpreta “Across the Stars”, una de las más hermosas melodías del compositor norteamericano para la banda sonora de El ataque de los clones, fue interpretado el día 30 de mayor de 2017, en Cartagena.

Deseo todo lo mejor para el proyecto de la Film Symphony Orchestra y para su director. Que llenen las salas de conciertos, que tengan muchos éxitos y que vuelvan pronto por Navarra, con un programa que dé cabida a algunos de entre los mejores compositores de bandas sonoras cinematográficas. Me atrevo a sugerir nombres como los de Bernard Herrmann, Dimitri Tiomkin, Miklós Rósza, Nino Rota, Elmer Bernstein, Georges Delerue, John Barry, Maurice Jarre, Danny Elfman, Howard Shore, Ennio Morricone, James Horner, Dave Grusin, Henry Mancini, Michael Nyman, Thomas Newman, Michel Legrand, Jerry Goldsmith, Alan Silvestri, James Newton Howard, Mark Isham, Hans Zimmer, Alberto Iglesias, Rachel Portman, Alexandre Desplat o Michael Giacchino. Hay tanto y tan bueno donde elegir…

Esta entrada La música de John Williams, en vivo ha sido publicada en primer lugar en La Bitácora del Tigre.

Es curioso lo que pasa con la música para películas y su penetración en el inconsciente popular, porque a Barry, o a Henry Mancini, o a John Williams los celebran y los cantan hasta quienes no saben de su nombre ni de sus obras. Quizás los lectores de este blog no se hayan fijado en el detalle, pero no es raro encontrarse por la calle, en el trabajo, en la caja del supermercado o ante alguna ventanilla burocrática a alguien que tararea fragmentos de Memorias de África, de Bailando con lobos o de alguna de las muchas melodías que John Barry compuso para la serie de James Bond.

A continuación inserto un par de vídeos -en realidad son audios ilustrados- que contienen diversos temas de sendas bandas sonoras escritas por Barry, no precisamente los más conocidos de entre su muy extensa producción. El primero corresponde a una espléndida película de 1968, El león en invierno, del director inglés Anthony Harvey. Estoy seguro de que la recordaré toda mi vida, porque la vi por primera vez en el cine de los Escolapios en Pamplona, del que tantas veces he hecho memoria en este blog. A partir del minuto 3,50, aproximadamente, comienza el tema de la banda sonora que más me gusta. Qué delicado y a la vez solemne suena el elegantísimo vocativo con el que las voces femeninas reciben a la reina Leonor de Aquitania, respondido por las más graves voces de los compañeros varones del coro. Al oír unas y otras casi podemos olvidar el terrible sarcasmo de la escena, pues el rey Enrique II de Inglaterra recibe con entusiasmo a su esposa después de haberla tenido encerrada durante diez años.

Eleanore, Reginae Anglorum,
Salus et vita.

Para los que no sepáis latín, he aquí la traducción:

Leonor, Reina de los Ingleses,
Salud y vida.

El segundo vídeo también corresponde a una película con la que tengo una singular relación biográfica. Se trata de Robin y Marian, un film de Richard Lester de 1976, parte del cual se rodó en tierras navarras, concretamente en el cerco de Artajona. Recuerdo que mi padre nos llevó a ver los decorados, y recuerdo también que mis hermanos y yo nos quedamos con la boca abierta, porque no sospechábamos que tras la grandiosidad y los oropeles de las grandes producciones cinematográficas hubiera tanto cartón piedra.

Ya no se hacen películas como las de Harvey y Lester, llenas de tradición, historia y unos actores excelentes, ni se escriben partituras como las de John Barry, en las que la música subraya la idea, tan hermosa como desesperada, de que el amor es capaz de vencer las barreras del tiempo y la muerte. Adiós, John, no te olvidaremos.

Esta entrada Un adiós tardío a John Barry ha sido publicada en primer lugar en La Bitácora del Tigre.

Como nunca había hecho tal cosa, no estaba seguro de que fuera posible, a pesar de que creía haber leído sobre trucos semejantes. Para despejar mis propias dudas, comencé a investigar en los foros de WordPress, donde encontré dos intervenciones, tituladas [Plugin: Viper’s Video Quicktags] first frame question y [Plugin: Viper’s Video Quicktags] FLV preview image, que me resultaron muy útiles. De ambas deduje –erróneamente, como luego se verá- que mi objetivo sólo era factible con un vídeo autoalojado y con formato FLV, por lo que rápidamente descargué uno de YouTube, mediante la extensión Download Helper para Firefox.

A continuación compuse una imagen relacionada con la temática del vídeo y subí ambos al blog. Luego inserté el vídeo en el sitio web mediante el código que figura a continuación, que es el que proporciona el ya citado plugin Viper’s Video Quicktags cuando se utiliza para incrustar un vídeo FLV (debe tenerse en cuenta que he añadido un espacio antes de los corchetes de inicio de los shortcodes, para evitar que el código se transforme en un vídeo insertado, pero en un código correcto no debe haber ningún espacio a la izquierda del corchete de apertura):

[ flv image="http://blog.com/imagen.jpg"]http://blog.com/mivideo.flv[ /flv]

La clave del efecto buscado es el parámetro “image”, que obliga al reproductor a que superponga al vídeo una imagen previamente elaborada a tal efecto (por cierto, no es necesario que la imagen tenga las mismas dimensiones del vídeo, porque el reproductor se encarga de redimensionarla). Tanto la imagen como el vídeo estaban alojados en el blog de prueba, en sus respectivas URLs.

Inmediatamente redacté una entrada en el blog del curso sobre el particular. Cuando la expuse a los asistentes al curso, uno de ellos, Fernando Lezaun, asesor de Nuevas Tecnologías del CAP de Pamplona, descubrió que la misma técnica sirve para un vídeo alojado en YouTube, el cual puede reproducirse con un código muy semejante:

[ flv image="http://blog.com/imagen.jpg"]http://videoyoutube[ /flv]

El resultado es esto:

El truco funciona con los vídeos de YouTube porque el reproductor para ficheros FLV que utiliza el plugin Viper’s Video Quicktags, el JW Player, dispone de un parámetro de imagen para conseguir el efecto deseado, y además es compatible con el API de reproducción de vídeos de YouTube. Sin embargo, el truco no funciona (al menos hasta donde yo he podido comprobar) con otros proveedores habituales de vídeos embebidos.

En todo caso, quiero dar las gracias a Fernando Lezaun por su «descubrimiento», porque no hay duda de que en entornos educativos puede ser de gran utilidad. Y también quiero expresar mi reconocimiento a los demás compañeros y compañeras que asisten al curso, porque gracias a sus preguntas, a sus dudas y sus preguntas, estoy aprendiendo un montón, y disfrutando como en mis primeros días como bloguero con WordPress.

Adenda del 8 de enero de 2012

Acabo de comprobar que la técnica descrita en este artículo no funciona con los vídeos de YouTube, por razones que ahora mismo no tengo tiempo para investigar. Más vale decirlo, en cualquier caso, para que los lectores de este sitio no se llamen a engaño.

Esta entrada Imágenes ad hoc en los vídeos incrustados con Viper’s Video Quicktags ha sido publicada en primer lugar en La Bitácora del Tigre.

He leído más de una crítica notoriamente injusta con el largometraje de Affleck, a quien poco menos que se le suele adjudicar el equivalente masculino de la proverbial “rubia tonta”, olvidando que es un actor quizá algo limitado, pero efectivo, y desde luego un director que tiene en su haber una película tan interesante como Adiós pequeña, adiós y un Oscar como guionista, en colaboración con su amigo Matt Damon, por El indomable Will Hunting. Por lo que toca a The Town, se trata de un excelente policíaco, sin lugar a dudas uno de los mejores del año 2010 que acaba de terminar: tenso, enérgico, narrativamente muy consistente, con unos diálogos de gran altura (es una película con media docena de conversaciones magnéticas, de una expresividad poco común), extraordinariamente bien realizado y con un plantel muy conjuntado de actores jóvenes, al que las breves pero impresionantes intervenciones de los veteranos Pete Postlethwaite y Chris Cooper, otro grande de la pantalla, otorgan consistencia y empaque.

Dice mucho sobre el coraje del hombre y sobre la profesionalidad del actor el hecho de que, tras muchos años de pelear con el cáncer que le ha llevado a la tumba (siempre se le veía tan delgado y demacrado en la pantalla que el espectador tendía a suponer que el actor estaba gravemente enfermo), Postlethwaite se hubiera atrevido con dos personajes tan difíciles y en principio poco atractivos como los que interpreta en Origen, de Christopher Nolan, el de un capitán de empresa tiránico, que incluso en su agonía es incapaz de mostrar cariño por su hijo, y en The Town. A la espera del estreno de Killing Bono, que es en realidad su última intervención en la gran pantalla, en su testamento cinematográfico Postlethwaite apenas interviene en media docena de secuencias, pero en todas ellas borda su papel de florista mafioso, cruel, despiadado, manipulador y cínico, rey sin corona de un reino del hampa cuya sordidez y violencia dejan, sin embargo, algún resquicio a la esperanza.

Sería una falta imperdonable no citar, a modo de homenaje, una de las mejores secuencias de la película de Ben Affleck. Está en inglés, pero no hace falta haberla visto en español, o tener los subtítulos a mano, para comprender su sentido. Jamás un acto tan en apariencia inocente como el de preparar un ramo de rosas rojas ha estado tan lleno de amenaza y exhibición de poder como en esta brillante secuencia de la penúltima película en que actuó Pete Postlethwaite.

Esta entrada Mi pequeño homenaje al gran Pete Postlethwaite ha sido publicada en primer lugar en La Bitácora del Tigre.

Decía Woody Allen que a él le hubiera gustado reencarnarse en las yemas de los dedos de Warren Beatty, y lo cierto es que podría haber afirmado lo mismo con respecto a Tony Curtis, un hombre por cuyos brazos pasaron algunas de las actrices más hermosas del Hollywood de los años 50 y 60. El hermano de Shirley MacLaine generalmente ha tenido más glamour, especialmente en ciertos círculos intelectuales, pero yo nunca he conseguido quitarme de encima la impresión de que es un soso de órdago. En cambio, Curtis siempre me cayó mucho mejor por su descaro, su irreverencia, su caradura ingeniosa y su capacidad para salir indemne de las situaciones más comprometidas.

Una de mis películas favoritas es Operación Pacífico (Operation Petticoat, 1959), del casi siempre genial Blake Edwards, en la que Curtis interpreta a un teniente de marina ventajista y tramposo, capaz de saquear los almacenes militares y aprovisionar su nave con un repertorio interminable de trapisondas, que seguramente aprendió durante sus años de servicio en la Armada norteamericana, durante la Segunda Guerra Mundial. Seguro que todos ustedes recuerdan la historia del USS Tigerfish, el sumergible averiado y pintado de color rosa, que consigue cumplir su peligrosa misión gracias a los ingeniosos latrocinios del teniente Holden y a las no menos ingeniosas adaptaciones del mecánico jefe, capaz de convertir una pieza de ropa interior femenina en el mecanismo esencial de un delicado artefacto naval.

Sirva esta escena de Operación Pacífico como modesta contribución al homenaje que sin duda ninguna merece el actor de Nueva York. Descanse en paz este cómico incomparable.

Esta entrada Adiós a un adorable sinvergüenza ha sido publicada en primer lugar en La Bitácora del Tigre.

• Para microbloguear o utilizar el blog a modo de una herramienta colaborativa de comunicación sincrónica al estilo Twitter, con temas como P2, GTD o LiveTwit.
• Para montar sitios de noticias, tipo revista o magazine, como los que se pueden crear con Arras Theme.
• Para elaborar fotoblogs (Zack 990) y videoblogs (WooTube).
• Para publicar portales, mediante temas que permiten desarrollar sitios complejos con funcionalidades semejantes a las de un CMS; por ejemplo, Carrington blog.
• Para crear comunidades de usuarios y redes sociales, gracias al plugin BuddyPress y alguno de los temas adaptados para dicha extensión.
• Para elaborar un sitio web que resuma la actividad de un usuario en las redes sociales, con temas como Visiting Card.
• Para publicar wikis, mediante plantillas especialmente diseñadas para tal propósito, como WordPress Wiki Theme.
• Para crear un sistema de gestión de agenda, gracias a RoloPress o Driftwood.
• Para construir un agregador de fuentes RSS, con temas como Aggregator o OneNews.
• Para desarrollar sitios de comercio electrónico, con alguno de los muchos temas existentes para tal propósito. Por ejemplo, Ecommerce Theme.
• Para elaborar portfolios, con plantillas como Portfolio Press, que voy a comentar a continuación.

Portfolio Press no es, ni mucho menos, el único tema de WordPress que se puede utilizar para crear portfolios (véase, por ejemplo, la enorme recopilación de plantillas publicada en 100 stunning professional portfolio WordPress themes), pero tiene algunas ventajas: es gratuito y está alojado en el repositorio oficial de temas de dicha aplicación, lo que supone una garantía adicional de calidad, actualización y compatibilidad. De hecho, me he interesado por este tema con el propósito de investigar su funcionamiento en una plataforma como Multiblog, y comprobar si cabía ofrecer a los docentes que tienen blogs alojados en dicho servicio del PNTE la posibilidad de elaborar sus propios portfolios.

Me alegra poder decir que, efectivamente, Portfolio Press no presenta ningún problema en una instalación multisitio de WordPress. Hay que tener en cuenta, en cualquier caso, que para que el tema funcione correctamente, es necesario disponer de una versión actualizada de la aplicación (al menos, la 3.0), pues la plantilla hace uso de dos funcionalidades clave –las taxonomías y los tipos de contenido personalizados-, que sólo se pueden gestionar desde el backend de WordPress a partir de dicha versión.

Tras instalar y activar el tema (para lo cual he utilizado uno de los blogs de prueba de la plataforma) Portfolio Press crea en el menú de la aplicación un tipo de contenido nuevo, denominado Portfolio, con sus correspondientes elementos de interfaz (véanse las figuras 1 y 2). Por supuesto, queda a criterio del usuario utilizar este tipo de contenido de forma exclusiva o combinado con el contenido habitual del blog, pero yo aconsejo optar por la segunda alternativa, pues proporciona al sitio una mayor flexibilidad.

Para poder utilizar el tema es necesario realizar algunos cambios de configuración en el blog que no son demasiado complejos, pero que exigen cierta atención. En el sitio web de su autor hay un buen videotutorial, que me permito incrustar a continuación. No obstante, como está en inglés y algunos de los pasos son poco intuitivos, incluyo tras el vídeo las instrucciones en castellano.

1. Después de activar el tema, hay que regenerar la estructura de enlaces permanentes del blog, para que puedan estar disponibles las nuevas URLs asociadas al contenido personalizado. Esta acción se realiza desde Ajustes > Enlaces permanentes > Guardar cambios.

2. A continuación, se debe crear una página estática en blanco, con el nombre de Portfolio (en realidad, podría ser cualquier otro, pero esta denominación está ya consagrada por el uso y por tanto resulta fácil de interpretar). Esta tarea se lleva a cabo desde el menú Páginas > Añadir nueva. He escogido para la página resultante una plantilla de anchura completa, sin barras laterales (véase la figura 3), pues con ello la página principal del sitio adquiere un aspecto más rotundo y elegante.

3. Tras crear la página del portfolio, es preciso crear otra página estática en blanco, a la que se vinculará el contenido normal del blog (es decir, el que se organiza de forma cronológicamente inversa). Un nombre que suele recomendarse para tal propósito es Blog, pero también podría elegirse otro que sugiera un patrón cronológico de organización, como Noticias, Novedades, etc.

4. Por último, debe configurarse el blog para que la página principal sea la página de Portfolio y el contenido normal sea accesible desde la página Blog. Esta acción se realiza desde el menú Ajustes > Lectura, mediante la selección de las opciones que aparecen destacadas en la figura 4.

A partir de este momento, ya se puede crear el contenido especializado desde el menú Portfolio > Añadir nuevo elemento. Como puede verse en la captura de pantalla representada en la figura 5, el diseñador del tema ha simplificado el editor de WordPress, pues en los artículos del portfolio no se pueden crear resúmenes o campos personalizados, ni tampoco cabe asociarlos a las categorías o las etiquetas habituales en el editor de entradas de WordPress. A cambio, el tipo de contenido personalizado “portfolio” queda asociado a una taxonomía específica, denominada Etiquetas del portfolio, que permite añadir descriptores semánticos específicos para este tipo de artículos.

Con el objetivo de llevar a cabo las pruebas necesarias que me permitieran redactar este artículo, he creado seis artículos (véase la figura 1), y desde el menú Imagen destacada del editor de contenido he asociado a cada uno de ellos una imagen que actúa como miniatura de la entrada en la página principal del blog. El resultado es un sitio web cuya página principal tiene el aspecto que aparece en la figura 6, es decir, un sitio que muestra el contenido del portfolio de forma gráfica, mediante miniaturas de imágenes asociadas a los ítems de contenido. Pinchando sobre cualquiera de ellos se abre el artículo correspondiente (figura 7). Por su parte, el menú de páginas estáticas que aparece en la parte superior derecha de la cabecera (dicho menú se genera automáticamente) permite acceder al resto del contenido del sitio, para lo cual basta con pulsar en el enlace correspondiente, mediante el cual se accede a las entradas del blog, organizadas según su disposición habitual (figura 8).

Como se habrá observado, el frontend del blog está en castellano, pues el diseñador del tema lo ha elaborado de forma que sea posible su traducción mediante los mecanismos que a tal efecto proporciona WordPress. Ahora bien, en su versión actual, el tema no permite una traducción completa, salvo que se realicen varios cambios, a saber:

• Modificar el fichero archive.php, para que el título de las páginas de archivo correspondientes a los meses de un año pueda ser traducido al formato de fecha adecuado.
• Modificar el fichero footer.php, para que la cadena “Powered by” pueda ser traducida.
• Modificar el fichero functions.php para que las cadenas de texto que identifican y describen las zonas de widgets sean traducibles.
• Añadir la identificación del text domain (“portfoliopress”) a aquellos ficheros en los que las cadenas de texto traducibles carecen de él. Se trata de los ficheros full-width-portfolio.php, taxonomy-portfolio-tags.php, type-portfolio.php y /extensions/portfolio-post-type.php. La falta del text domain provoca que, aunque se realice una traducción impecable del tema, queden varias cadenas de texto sin traducir en el backend del blog.

He comunicado todos estos cambios al autor del tema, y espero que los pueda aprovechar para una próxima versión.

Antes de terminar, quiero hacer una precisión sobre la traducción del término “portfolio” para designar el tipo de contenido personalizado alrededor del cual se organiza este tema de WordPress. En primera instancia, lo había traducido como “portafolio”, pero para evitar la incómoda polisemia del término, he preferido no traducirlo (o, mejor dicho, utilizar para la traducción el anglicismo), cuyo significado en la Web, y especialmente en el ámbito educativo (véase el artículo Electronic portfolio), parece ya consagrado por el uso. En todo caso, estoy dispuesto a modificar la traducción si alguien me ofrece mejores argumentos que los que acabo de presentar.

Esta entrada Sobre los temas de WordPress para usos especiales y la traducción del tema Portfolio Press ha sido publicada en primer lugar en La Bitácora del Tigre.

Aunque no puedo negar la huella que ambos acontecimientos han dejado en mi memoria, para mí este campeonato ha tenido una dimensión más personal, y por tanto más valiosa y digna de recuerdo. Un recuerdo que comienza por los dos primeros partidos de la fase de clasificación, que Pilar y yo vimos en casa por televisor, presos de enorme nerviosismo, con la decepción del primer partido contra Suiza, la alegría moderada del triunfo ante Honduras y las improvisadas tertulias presenciales y virtuales en las que participé con motivo de ambos encuentros. Sigue con la explosión de entusiasmo con que toda la familia –reunida en el bar del hotel Juan de la Cosa, en la playa de Berria, cerca de Santoña, para celebrar las bodas de oro de mis padres- acogimos la peleadísima victoria contra la muy bien organizada selección de Chile.

En los tres partidos de la fase clasificatoria, y especialmente en el último, acabé ronco de tanto gritar. Como sería la cosa que mis sobrinos Sergio y Leyre (de padre y madre muy futboleros y que han mamado la afición por el deporte rey desde la primera hora de sus vidas) me decían algo así como “tío, no queremos tenerte cerca cuando España marca goles, porque te pones como loco”, pero lo cierto es que también ellos saltaron y cantaron con los goles de Villa e Iniesta. Su hermana pequeña, Irene, todavía incapaz a sus cuatro añitos de comprender las explosiones de júbilo con que los aficionados acogemos goles y victorias (a menudo los niños son mucho más cuerdos que sus mayores), se sentía intimidada por tanto jolgorio, y en un par de ocasiones acudió a refugiarse en el regazo de su madre.

Del partido contra Portugal en los octavos de final, otra vez en el salón de casa, guardo un recuerdo poco claro, quizás porque no pasé los nervios de otras ocasiones y por la superioridad en juego y ocasiones de una selección española que hizo un partido extraordinariamente serio, disciplinado y competitivo. Sin embargo, las dos siguientes rondas, contra Paraguay y Alemania respectivamente, tuvieron un escenario que será difícil de olvidar. Ya no estábamos Pilar y yo solos en el cuarto de estar, mordiéndonos las uñas y explicándonos mutuamente las jugadas más comprometidas, sino junto a mis hermanos con sus cónyuges, sus hijos, y otros parientes y conocidos, entre los cuales había un montón de niños bulliciosos y rotundamente futboleros. De la victoria sobre el combinado guaraní retengo en la memoria lo mismo que casi todo el mundo: la decisiva parada de Iker Casillas, que nos hizo levantarnos del asiento a todos los que lo veíamos y pegar botes de entusiasmo (bueno, a todos no, porque Irene de nuevo se quedó asustada por la algarabía y el griterío de la concurrencia).

Lo único que echamos en falta en el triunfo sobre la selección sudamericana fue una mayor eficacia anotadora y algo más de ruido y de bullicio en las celebraciones. Habida cuenta de que no podíamos hacer gran cosa respecto al primer deseo, mi hermano José Ángel y su hijo Javier prometieron esforzarse para conseguir un buen lote de cohetes –y puedo acreditar que la empresa no fue nada fácil, pues con la llegada de los Sanfermines la mitad de las tiendas de Pamplona practican la prudente costumbre de cerrar-, con los que celebrar los goles del partido contra la temible Alemania, que hasta entonces había realizado probablemente el mejor juego de entre todas las selecciones participantes en el Mundial.

Y los alemanes llegaron y se arrugaron, ya desde su salida al campo, en el día grande de las fiestas de Pamplona, que para mí es todavía más grande por ser también el día de mi cumpleaños. En comparación con el partido contra Paraguay, la semifinal fue menos agónica de lo que la mayoría de los aficionados habíamos previsto. Pudimos disfrutar de espléndidas jugadas, merendar en el descanso y celebrar, sin temor al infarto (aunque de haberse producido hubiéramos estado en manos de dos médicos tan competentes como mi hermana Amparo y su marido Óscar), el golazo de Puyol con alaridos, bailes y la modesta exhibición pirotécnica que habíamos preparado. El caluroso y prolongado abrazo que nos dimos mi cuñado y yo tras el cabezazo del central del Barça (él es culé militante y yo merengue de toda la vida) fue todo un símbolo de eso que he llamado “lo mejor del Mundial”, una alegría algo pueril e inexplicable, pero sin duda sincera y profunda, que contagió a todos los que vimos el partido, hasta los menos dados a los raptos futboleros.

La final nos pilló fuera de Pamplona, al comienzo de nuestras vacaciones, en un hotel de la playa ibicenca de Talamanca. La verdad es que echábamos muy de menos la algazara familiar, y estuvimos dudando durante un tiempo entre ver el partido en la habitación o bajar al bar, para disfrutar del espectáculo en multitud. Al final, prevaleció la primera opción, entre otras razones porque no habíamos encontrado camisetas de la selección con las que ponernos en ambiente, y porque los huéspedes eran en su mayoría extranjeros (en todo caso, el predominio masivo de italianos auguraba una audiencia favorable a la selección española, Berlusconi dixit). Vaya partido tan feo, aunque desde luego no apto para cardíacos: yo estuve a punto de caerme de la cama en un par de ocasiones, tras clamorosas oportunidades de la Roja y las no menos clamorosas faltas de los holandeses y, Pilar, que había estado tirándose de los pelos durante el tiempo reglamentario, no pudo aguantar la tensión de la prórroga y se bajó al bar, para aliviarse del sufrimiento propio con la inmersión voluntaria en la ansiedad ajena.

El gol de Iniesta (enérgico, rabioso, tremendo) me dejó ronco por quinta vez en pocos días. Nada más marcar el albaceteño, abrí la puerta de la terraza y salí como un poseso a desfogarme, un gesto en el que me vi acompañado de media docena de huéspedes de las habitaciones próximas, con los que intercambié gestos cómplices de furia contenida, enseguida sustituidos por expresiones de júbilo en dos o tres idiomas diferentes. Pilar y yo pasamos el resto de la jornada viendo los reportajes que los distintos medios de comunicación –televisión, radio, prensa digital, esta última a paso de limaco, porque ya me había pasado del consumo mensual de mi tarifa de conexión móvil- habían montado para celebrar la ocasión, y al día siguiente nos faltó tiempo para acudir a la librería Vara de Rey, en el paseo homónimo de la capital ibicenca, y comprar cuatro o cinco periódicos, porque este tipo de sucesos no sólo hay que vivirlos, sino también verlos recreados por otras voces y desde otras perspectivas.

Durante el resto de las vacaciones echamos en falta las dosis monumentales de adrenalina que nos habían deparado los Mundiales (nos quedamos un poco “pof”, como solemos decir Pilar y yo), pero nos esforzamos activamente en reponernos a base de sesiones de playa y piscina, cenas con pescado a la parrilla culminadas con mojitos, y las excursiones casi diarias a la ciudad de Ibiza, tan propicia al desparrame y la inundación de sensaciones visuales insólitas –entre ellas, la proliferación de camisetas de Casillas, Villa o Fernando Torres en el atuendo de muchísimos niños extranjeros-, sobre todo para quienes procedemos de provincias y tenemos los ojos casi ocultos por el pelo de la dehesa.

Como se preguntaba más de uno tras el subidón y consiguiente resaca de las celebraciones mundialistas: “y ahora, ¿qué?”. Pues, a trabajar duro (espero no tardar mucho en recuperar el ritmo habitual de publicación bloguera), a esperar el próximo Mundial y, mientras tanto, a ver de nuevo, para que no se nos olvide, el momento culminante de este campeonato: el Iniestazo.

Esta entrada Lo mejor del Mundial ha sido publicada en primer lugar en La Bitácora del Tigre.

De hecho, hace ya muchos años (concretamente en enero de 1973, fecha en que se publicó por primera vez) que Isaac Asimov planteó una idea muy semejante a la que expone el vídeo, en un ensayo titulado “Lo antiguo y lo definitivo”, que está recogido en el libro El secreto del tiempo. Recientemente, a través de Twitter, señalé la coincidencia (antes había tratado sobre dicho ensayo en Los libros, Google Books e Isaac Asimov), y gracias a los buenos oficios de Antonio Solano, quien localizó el ensayo asimoviano en PDF, puedo traer aquí ambos textos, para que los lectores de este blog puedan compararlos y extraer las oportunas consecuencias. Entre ellas, y ya que hablamos de libros, que en el mundo de las letras la vieja sabiduría del adagio latino –ya saben, nihil novum sub sole– resulta tan certera como inevitable.

He aquí el famosísimo vídeo:

Y el no tan famoso, pero muy interesante ensayo asimoviano, cuyo entorno tecnológico resulta ahora, casi cuarenta años después de escrito, deliciosamente camp.

Esta coincidencia me trae a la memoria otra referencia libresca: en la última novela de Neal Stephenson, la monumental Anatema (una fascinante y algo excesiva mezcla de ciencia ficción, matemáticas, filosofía, lógica, astrofísica y otros muchos y arcanos saberes), el escritor norteamericano ha creado un mundo imaginario en el que existe una orden monástica, la de los Loritas, “historiadores del pensamiento que ayudan a otros avotos [personas que han ingresado en el mundo cenobítico] en su labor, haciéndoles saber que otros ya tuvieron ideas similares y evitándoles reinventar la rueda” (p. 679). A veces me da por pensar que un servicio higiénico como el de esa ficticia orden monástica no vendría mal en Internet, donde toda idea se copia, se recopia y se transforma, no siempre de forma admisible, hasta el infinito.

Esta entrada En el Día del Libro: Book, Asimov y los loritas ha sido publicada en primer lugar en La Bitácora del Tigre.